Se establecen dos tipos de abonos de 5 y 9 conciertos desde 36 euros. Los abonos se podrán adquirir desde el 28 de octubre (10 horas). Las localidades de venta libre estarán disponibles a partir del 9 de diciembre (10 h) en esta misma página web.
MIÉRCOLES, 28 DE ENERO DE 2026 – 19 h.
Catedral de Santa María de la Asunción – Coria (Cáceres)
MIÉRCOLES, 28 DE ENERO DE 2026 – 19 h
Catedral de Santa María de la Asunción
Coria (Cáceres)
Benjamin Alard
ÓRGANO
Ostinato y Tenuto
Georg Muffat (1653 –1704)
Toccata tertia
Ciaccona en sol mayor (Apparatus musico-organisticus, 1690)
Johann Jakob Froberger (1616 – 1667)
Fantasia sopra ut, re, mi, fa, sol, la…
Louis Couperin (1626 – 1661)
Prélude, Chaconne et Carillon (compuesto para ser interpretado en el órgano de Saint-Gervais entre las vísperas de Todos los Santos y la Festividad de los Difuntos)
Johann Pachelbel (1653 –1706)
Fantasia en sol menor P. 255
Toccata en do mayor P. 454
Ciaccona en re menor P. 41
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Fantasia en sol mayor BWV 572 (c. 1712)
Nicolas de Grigny (1672-1703)
Punto de órgano en los grandes registros (Libro de Órgano, 1699)
En su cuarta edición, Atrium Musicae Cáceres visita por primera vez la Catedral de Coria, un espacio de singular valor patrimonial que conserva en el lado del Evangelio un imponente órgano construido por José Verdalonga en 1806. En él actuará Benjamin Alard, una de las grandes figuras actuales de los teclados antiguos, reconocido por sus grabaciones de Bach y por una trayectoria marcada por la investigación histórica y la excelencia interpretativa. Su programa en Coria recorre distintas tradiciones europeas del siglo XVII y comienzos del XVIII: desde la retórica austroalemana de Muffat o Pachelbel hasta la elegancia francesa de Couperin y De Grigny, con Froberger como nexo y Bach como horizonte. Un viaje por estilos y formas que muestra la riqueza del repertorio organístico en diálogo con un instrumento histórico extremeño.
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En colaboración con el Cabildo Catedral de la Diócesis de Coria – Cáceress
JUEVES, 29 DE ENERO DE 2026 – 17 h.
Iglesia de San Martín de Tours – Trujillo (Cáceres)
JUEVES, 29 DE ENERO DE 2026, 17 h
Iglesia de San Martín de Tours
Trujillo (Cáceres)
María Espada
SOPRANO
Manuel Minguillón
ARCHILAUD
Esperar, sentir, morir…
Tarquinio Merula (1595- 1665)
Canzonetta spirituale sopra alla nanna (1636)
Claudio Monteverdi (1567- 1643)
Laudate dominum, SV 287
ll pianto della madonna, SV 288
Jubilet tota civitas, SV 286
Exulta filia Sion, SV 303
Alessandro Grandi (1590- 1630)
O quam tu pulchra es (1625)
Domenico Mazzocchi (1592-1665)
Amar a Dios por Dios
Juan Hidalgo (1614-1685)
El Agua del llanto
Cómo pasea el arroyo
Esperar, sentir, morir
Luceros y Flores
Atrium Musicae llega también por primera vez a Trujillo con un concierto que podrá escucharse entre los recios muros de San Martín de Tours. La soprano extremeña María Espada, una de las voces más reconocidas del repertorio barroco, estará acompañada por el archilaúd de Manuel Minguillón. El programa establece un diálogo entre Italia y España en torno al Seicento: piezas de Monteverdi, Grandi, Merula o Mazzocchi muestran la riqueza expresiva de la monodia sacra y espiritual italiana, mientras que las obras de Juan Hidalgo, maestro de la corte de Felipe IV, revelan la temprana madurez del barroco hispano. Entre el tono meditativo y la exaltación jubilosa, el recital propone un recorrido que sitúa a la voz como vehículo de emoción y de fe, en un marco monumental que realza su intimidad y fuerza comunicativa.
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En colaboración con la Parroquia San Martín de Tours de Trujillo – Cáceres
JUEVES, 29 DE ENERO DE 2026 – 19:15 h.
Arco de la Estrella
JUEVES, 29 DE ENERO DE 2026, 19:15 h
Arco de la Estrella
Cáceres
Lituus Quartet
VIENTO METAL
Fanfarrias de ayer y hoy
El Festival se traslada a la capital y lo hace, como el año pasado, con el sonido de las fanfarrias que sonarán desde el Arco de la Estrella, preludio del primer concierto, que esta vez tendrá lugar en el Gran Teatro. Se encargará de abrir la cita el conjunto de metales cacereño, Lituus Quartet, que interpretará piezas medievales junto a creaciones actuales. Esta intervención, concebida como gesto de bienvenida y llamada a la participación en el evento, enlaza la antigua tradición heráldica de las grandes celebraciones urbanas con los festejos populares y convierte el espacio monumental en escenario sonoro compartido por todos.
JUEVES, 29 DE ENERO DE 2026 – 20 h.
Gran Teatro de Cáceres
JUEVES, 29 DE ENERO DE 2026, 20 h
Gran Teatro
Cáceres
Mario Brunello
VIOLONCHELO
Yulianna Avdeeva
PIANO
Shostakovich, epicentro musical
Ludwig van Beethoven (1770–1827)
Sonata para violonchelo y piano n°5 en re mayor (1815)
Galina Ustvolskaya (1919–2006)
Gran dúo para violonchelo y piano (1969)
Mieczysław Weinberg (1919–1996)
Sonata para violonchelo y piano n° 1, op. 21 (1960)
Dmitri Shostakovich (1906–1975)
Sonata para violonchelo y piano, op. 40 (1934)
El Gran Teatro acoge el primer concierto del Festival en Cáceres con dos intérpretes de referencia internacional, el violonchelista Mario Brunello y la pianista Yulianna Avdeeva. Bajo el título Shostakóvich, epicentro musical, el programa, concebido por el cincuentenario del fallcimiento del compositor ruso, subraya su influencia en su entorno creativo y vital. Junto a su temprana Sonata Op.40, se escuchan obras de Galina Ustvolskaya y Mieczysław Weinberg, figuras estrechamente vinculadas a él y herederas de su legado en un siglo marcado por tensiones políticas y búsquedas estéticas. La presencia de Beethoven, con la última de sus sonatas para violonchelo y piano, abre el concierto y ofrece un contrapunto clásico que dialoga con la modernidad desde la intimidad de la música de cámara.
VIERNES, 30 DE ENERO DE 2026 – 12 h.
Concatedral de Santa María en Cáceres
VIERNES, 30 DE ENERO DE 2026, 12 h
Concatedral de Santa María
Cáceres
Manuel Blanco
TROMPETA
Pablo Márquez
ÓRGANO
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Preludio y fuga en Sol Mayor, BWV 550 (c. 1710)
Nun komm, der Heiden Heiland à 2 claviers et pédale, BWV 559
Dietrich Buxtehude (1637-1707)
Ciaccona en mi menor, BuxWV 160
Georg Friedrich Haendel (1685-1759)
Water piece (de la Suite para trompeta y orquesta, en re mayor, HVW 341) (1733)
Johann Sebastian Bach
Preludio y fuga en Re menor BWV 539 (c. 1720)
Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ à 2 claviers et pédale BWV 639 (1720)
Leopold Mozart (1719-1787)
Concierto para trompeta en re Mayor (1756)
Eugène Gigout (1844-1925)
Toccata (de las “10 pièces pour orgue”) (1890)
Pablo Márquez Caraballo (1984)
Al pie de la Cruz (2007)
El mediodía en la Concatedral de Santa María reúne a dos intérpretes de proyección internacional en un diálogo entre la trompeta de Manuel Blanco y el órgano de Pablo Márquez. El programa recorre más de tres siglos de música, desde el esplendor barroco de Bach, Buxtehude y Haendel hasta el clasicismo del Concierto para trompeta de Leopold Mozart. No faltan incursiones en el romanticismo, con la célebre Toccata de Eugène Gigout, ni en la creación contemporánea, representada por Al pie de la Cruz, obra del propio Márquez estrenada en 2007. La versatilidad tímbrica de la trompeta, junto con la riqueza sonora del órgano catedralicio, permite explorar repertorios diversos y subrayar la continuidad de una tradición que enlaza la música litúrgica, la sala de conciertos y la creación actual.
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En colaboración con el Cabildo Catedral de la Diócesis de Coria- Cáceres
VIERNES, 30 DE ENERO DE 2026 – 17 y 18:15 h.
Museo Helga de Alvear de Cáceres
VIERNES, 30 DE ENERO DE 2026, 17 y 18:15 h
Museo Helga de Alvear
Cáceres
Jorge Pardo
FLAUTA y SAXOFÓN
Improvisaciones jazzísticas
El Museo Helga de Alvear vuelve a integrarse en el Festival con dos funciones consecutivas en las que el sonido se mezcla con el espacio expositivo. Jorge Pardo, flautista y saxofonista madrileño, es uno de los grandes nombres del mestizaje entre flamenco y jazz. Desde los años ochenta ha formado parte de proyectos decisivos junto a Paco de Lucía, Camarón o Chick Corea, y ha sido distinguido con el Premio Nacional de Músicas Actuales. En Cáceres presenta un formato basado en la improvisación, en el que sin duda la tradición popular, los ritmos afrocubanos, el flamenco y los lenguajes jazzísticos confluirán con su característica libertad creativa. Un diálogo entre el intérprete y el espacio del museo para redefinir el acto de la escucha.
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En colaboración con el Museo Helga de Alvear
VIERNES, 30 DE ENERO DE 2026 – 19:30 h.
Gran Teatro de Cáceres
VIERNES, 30 DE ENERO DE 2026, 19:30 h
Gran Teatro
Cáceres
Javier Perianes
PIANO
#Falla2026. Diálogos imaginarios
Falla vs Chopin
Manuel de Falla (1876–1946)
Nocturno (1896)
Frédéric Chopin (1810–1849)
Nocturno en do sostenido menor, op. 27, n° 1 (1836)
Manuel de Falla
Mazurca en do menor (c.1900)
Frédéric Chopin
Mazurka en la menor, op. 7 n°2 (1830-32)
Mazurka en sol mayor, op. post. 67 n°1 (1835)
Manuel de Falla
Serenata andaluza (1900)
Frédéric Chopin
Vals en la menor op. 34 n°2 (1838)
Manuel de Falla
Canción (1900)
Frédéric Chopin
Berceuse en re bemol mayor, op. 57 (1843-1844)
Falla vs Albéniz
Manuel de Falla
Cuatro Piezas Españolas (1906-1908)
Aragonesa, Cubana, Montañesa y Andaluz
Isaac Albéniz (1860–1909)
Suite Iberia (Selección) (1905-1909)
Evocación, El Polo, Almería y Triana
Atrium Musicae se suma a las celebraciones por los 150 años del nacimiento de Manuel de Falla con la presencia de Javier Perianes, una de las figuras más destacadas del piano actual y posiblemente el mayor especialista en la obra del maestro gaditano. Con Diálogos imaginarios, enfrenta el temprano catálogo pianístico de Falla con las páginas de Chopin, poniendo en relación nocturnos, mazurcas o valses desde una doble perspectiva europea y española. El programa culmina con un segundo bloque en el que las Cuatro piezas españolas dialogan con una selección de la Suite Iberia de Albéniz, verdadero monumento del repertorio pianístico de todo el siglo XX. En este cruce de tradiciones, Perianes traza un puente entre romanticismo, modernidad y colorido popular, subrayando la singularidad de Falla en el marco de su aniversario.
SÁBADO, 31 DE ENERO DE 2026 – 12 h.
Concatedral de Santa María de Cáceres
SÁBADO, 31 DE ENERO DE 2026, 12 h
Concatedral de Santa María
Cáceres
El León de Oro
Marco Antonio García de Paz (DIRECCIÓN)
Schola Antiqua
Juan Carlos Asensio (DIRECCIÓN)
Un Réquiem para la eternidad
Tomás Luis de Victoria (1648–1711)
Officium Defunctorum (1605)
La concatedral de Santa María acoge uno de los hitos del Festival con la interpretación del Officium Defunctorum de Tomás Luis de Victoria, compuesto en 1603 para las exequias de la emperatriz María de Austria y editado dos años después. Considerada la cumbre de la polifonía española del Siglo de Oro, esta misa de difuntos condensa la espiritualidad intensa y austera del compositor abulense. Su arquitectura musical, de gran sobriedad expresiva, trasciende el marco litúrgico para convertirse en un monumento de alcance universal. La interpretación estará a cargo de dos formaciones de referencia en el repertorio sacro: el coro El León de Oro, dirigido por Marco Antonio García de Paz, y Schola Antiqua, especializada en canto llano bajo la dirección de Juan Carlos Asensio. Una ocasión excepcional para escuchar en Cáceres un Réquiem que sigue hablando con la misma fuerza cuatro siglos después..
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En coproducción con la Fundación Tatiana
En colaboración con el Cabildo Catedral de la Diócesis de Coria- Cáceres
SÁBADO, 31 DE ENERO DE 2026 – 17 h.
Iglesia de Santa María en Garrovillas de Alconétar (Cáceres)
SÁBADO, 31 DE ENERO DE 2026, 17 h
Iglesia de Santa María
Garrovillas de Alconétar (Cáceres)
Benjamin Alard
ÓRGANO
Tientos y Fantasías
Hernando de Cabezón (1541-1602)
Dulce memoriae (en memoria de su padre)
Pablo Bruna (1611-1679)
Tiento de 2º tono por Gesolreut sobre la Letanía de la Virgen
Abraham van den Kerkhoven (1618-1702)
Fantasía en re menor, W.133
Louis Couperin (1626-1661)
Trois fantaisies
Francisco Correa de Arauxo
Dos tientos de medio registro de dos tiples, L VIII y L XIV
John Blow (1649-1708)
Voluntary
Morlake Ground
Domenico Scarlatti (1685-1757)
Sonata en re mayor, K. 287
Sonata en re mayor, K. 288
Sonata en sol mayor, K. 328
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Sonata y Giga en re mayor “all imitatio Gallina Cucu”, BWV 963 (c. 1703-07)
Canzona en re menor, BWV 588 (c. 1714)
El segundo recital de Benjamin Alard en el festival tendrá lugar en la iglesia de Santa María de Garrovillas de Alconétar, que conserva uno de los órganos más antiguos de España, construido en el siglo XVI y restaurado entre 1987 y 1990. El instrumento, de sonoridad clara y austera, permite apreciar en condiciones singulares el repertorio ibérico y europeo del barroco temprano. El programa de Alard enlaza la tradición española de Cabezón, Bruna y Correa con figuras de otras escuelas como Van den Kerkhoven, Couperin o Blow, en un itinerario que culmina con Scarlatti y Bach. La presencia de tientos, fantasías y sonatas traza un recorrido por las formas esenciales del órgano entre los siglos XVI y XVIII, subrayando las conexiones entre estilos nacionales y la capacidad del instrumento histórico para revelarlas con toda su riqueza tímbrica.
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En colaboración con la Asociación “Domingo Marcos Durán” de Garrovillas
SÁBADO, 31 DE ENERO DE 2026 – 18:15 h.
Espacio de la Creación Joven de Cáceres
SÁBADO, 31 DE ENERO DE 2026, 18:15 h
Espacio de la Creación Joven
Cáceres
Neopercusión
Juanjo Guillem (DIRECCIÓN)
Gavin Bryars (1943)
El hundimiento del Titanic (1972)
Tras su paso el año pasado por el Museo Helga de Alvear, el proyecto de Neopercusión se traslada al Espacio de la Creación Joven de Cáceres, en el antiguo molino y almazara de la Ribera del Marco. De titularidad municipal, el ECJ ofrece un marco singular para propuestas artísticas vinculadas a la juventud y la experimentación. Bajo la dirección de Juanjo Guillem, el grupo interpreta El hundimiento del Titanic de Gavin Bryars, obra compuesta en 1972 que evoca el hundimiento del transatlántico a través de un lenguaje minimalista de gran fuerza sugestiva. La iniciativa permite a los alumnos de FEMAE integrarse en un proyecto profesional y subraya la vocación del Festival de tender puentes entre la creación contemporánea, los nuevos públicos y los espacios urbanos recuperados para la vida cultural.
SÁBADO, 31 DE ENERO DE 2026 – 19:30 h.
Gran Teatro de Cáceres
SÁBADO, 31 DE ENERO DE 2026, 19:30 h
Gran Teatro
Cáceres
Manuel Walzer
BARÍTONO
Malcolm Martineau
PIANO
AVISO IMPORTANTE
Debido a un fuerte proceso gripal, el barítono Florian Boesch se ha visto obligado a cancelar su recital en el Gran Teatro de Cáceres, dentro de la cuarta edición de Atrium Musicae. En su lugar, el barítono suizo Manuel Walzer, acompañado igualmente por el pianista Malcolm Martineau ofrecerá un nuevo programa dedicado integramente a Franz Schubert.
El Canto del cisne
Franz Schubert (1797–1828)
Sehnsucht (Anhelo)
Der Wanderer an den Mond, D 870 (El caminante a la Luna)
Abendstern, D. 806 (La estrella vespertina)
Die Taubenpost, D. 957/14 (La paloma mensajera)
Du bist die Ruh, D. 776 (Ella estuvo aquí)
Bei dir allein, D. 866/2 (Solo contigo)
Des Fischers Liebesglück, D. 933 (El pescador felizmente enamorado)
Aufenthalt, D.957/5 (La estancia)
Auf der Bruck, D. 853 (Sobre el puente)
Frühlingsglaube, D. 686 (Fe primaveral)
Im Walde, D. 708 (En el bosque)
Im Abendrot, D. 799 (En el crepúsculo)
Der Zwerg, D. 771 (El enano)
Nachtstück, D. 672 (Nocturno)
Totengräbers Heimweh, D. 842 (El anhelo del enterrador)
El Gran Teatro de Cáceres acoge al barítono suizo Manuel Walser, una de las voces más sólidas y personales del lied actual, acompañado por el pianista Malcolm Martineau, figura de referencia en los grandes ciclos europeos de canción. El programa, dedicado íntegramente a Franz Schubert, reúne una cuidada selección de lieder que recorre algunos de los ejes esenciales de su universo expresivo: el anhelo, la soledad, la naturaleza y la introspección nocturna.
Manuel Walser actuará en sustitución de Florian Boesch, que ha tenido que cancelar su actuación en el IV Atrium Musicae por enfermedad.
Lejos de articularse como un ciclo cerrado, el recital propone un itinerario poético y musical que permite apreciar la extraordinaria variedad de registros del compositor vienés, desde el lirismo más íntimo hasta los claroscuros de una escritura profundamente dramática. Walser y Martineau prolongan así la tradición impulsada por Atrium de situar a Cáceres entre los escenarios europeos que han hecho del lied un género central de la música de cámara, apostando por intérpretes de máxima exigencia artística y una escucha atenta, sin concesiones.
SÁBADO, 31 DE ENERO DE 2026 – 23:55 h.
Concatedral de Santa María de Cáceres
SÁBADO, 31 DE ENERO DE 2026, 23:55 h
Concatedral de Santa María
Cáceres
Schola Antiqua
Juan Carlos Asensio (DIRECCIÓN)
Concierto de Medianoche
Ad Matutinum, In Nocturnos (Canto gregoriano)
La primera edición de un concierto de medianoche en Atrium Musicae se configura como un auténtico Oficio de Maitines en la Concatedral de Santa María y está a cargo de Schola Antiqua. El conjunto dirigido por Juan Carlos Asensio, referencia internacional en la interpretación del canto gregoriano, presenta Ad Matutinum, In Nocturnos, centrado en la música destinada a los rezos nocturnos. La sobriedad y el carácter meditativo de estas piezas se ven realzados por el marco arquitectónico del templo y por la singularidad del horario, que favorece una escucha íntima y recogida. Con esta propuesta, realizada en colaboración con el Cabildo, el Festival abre un nuevo espacio sonoro que conecta el patrimonio litúrgico de Occidente con una experiencia estética marcada por la quietud de la noche.
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En colaboración con el Cabildo Catedral de la Diócesis de Coria- Cáceres
DOMINGO, 1 DE FEBRERO DE 2026 – 10:15 h.
Iglesia de Santiago Apostol de Cáceres
DOMINGO, 1 DE FEBRERO DE 2026, 10:15 h
Iglesia de Santiago Apostol
Cáceres
El León de Oro
Marco Antonio García de Paz (DIRECCIÓN)
Contrafacta
Tomás Luis de Victoria (1548-1611)
O vos omnes (SSAT)
Lorenzo Donati (1972)
Davanti alle tenebre
Tomás Luis de Victoria
Tenebrae factae sunt (SSAT)
Lorenzo Donati
Dentro alle tenebre
Tomás Luis de Victoria
Caligaverunt oculi mei (SATB)
Lorenzo Donati
Oltre le tenebre
Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594)
Nunc dimittis (SATB + SATB)
Arvo Pärt (1935)
Nunc dimittis
Giovanni Perluigi da Palestrina
Kyrie – Missa Papae Marcelli (SATTBB)
Josef Gabriel Rheinberger (1839 – 1901)
Kyrie – Cantus Missae
Tomás Luis de Victoria
Sanctus – Missa Salve Regina (SSAB + SATB)
Eric Whitacre (1970)
Sainte – Chapelle
El segundo concierto de El León de Oro en el Festival se celebra en la iglesia de Santiago Apóstol. El programa, titulado Contrafacta, propone un diálogo entre obras maestras de Tomás Luis de Victoria y de Giovanni Pierluigi da Palestrina y versiones contemporáneas escritas sobre los mismos textos litúrgicos. Así, tres responsorios de tinieblas de Victoria encuentran eco en las piezas del compositor italiano Lorenzo Donati, mientras que el Nunc dimittis se presenta en una doble vertiente: la de Victoria y la del estonio Arvo Pärt. También se establece un contrapunto entre el Kyrie de la Missa Papae Marcelli de Palestrina y el de la Cantus Missae de Rheinberger, o entre el célebre O magnum mysterium de Victoria y la obra homónima de Eric Whitacre. Un recorrido a través de los siglos que muestra la vigencia de los textos sacros y su capacidad para inspirar nuevas creaciones.
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En coproducción con la Fundación Tatiana y en colaboración con la Iglesia de Santiago Apostol
DOMINGO, 1 DE FEBRERO DE 2026- 12:30 h.
Museo Vostell de Malpartida de Cáceres
DOMINGO, 1 DE FEBRERO DE 2026, 12:30 h
Museo Vostell
Malpartida de Cáceres (Cáceres)
Mario Brunello
VIOLONCHELO
Bach Fluxus IV
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Suite para violonchelo n° 3 en do mayor, BWV 1009 (1717-1723)
Mieczysław Weinberg (1919-1996)
Sonata para violonchelo n° 2, op. 121 (1977)
Johann Sebastian Bach
Suite para violonchelo n° 1 en sol mayor, BWV 1007 (1717-1723)
El violonchelista Mario Brunello ofrece su segunda actuación en el Festival en un espacio singular, el Museo Vostell de Malpartida. Bajo el título Bach Fluxus IV, el programa propone un recorrido entre el repertorio histórico y el siglo XX, en sintonía con el espíritu del museo fundado por Wolf Vostell. Junto a dos de las suites para violonchelo solo de Johann Sebastian Bach, auténticos pilares del repertorio instrumental, Brunello interpreta la Sonata nº2 op. 121 de Mieczysław Weinberg, obra de 1977 que conjuga lirismo y dramatismo. En coproducción con el Museo Vostell –como en las ediciones precedentes–, el concierto subraya la vocación del Festival de llevar la música a escenarios singulares y de establecer vínculos entre tradición y modernidad.
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En coproducción con el Museo Vostell Malpartida
DOMINGO, 1 DE FEBRERO DE 2026 – 18 h.
Gran Teatro de Cáceres
DOMINGO, 1 DE FEBRERO DE 2026, 18 h
Gran Teatro
Cáceres
Javier Perianes
PIANO
Solistas de la filarmónica de Berlín
Viena, punto de encuentro
Johannes Brahms (1833 – 1897)
Sonata n° 2 para viola y piano en mi bemol mayor, op. 120 (1895)
Franz Schubert (1797–1828)
Trío para cuerdas en si bemol mayor, D 471 (1816)
Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1991)
Cuarteto con piano en sol menor n°1, Kv 478 (1785)
Junto al trío de solistas de la Filarmónica de Berlín (Luis Esnaola – Violín, Joaquín Riquelme – Viola y Bruno Delapierre – Violonchelo), Javier Perianes ofrece su segunda actuación en el Festival. El programa mira hacia Viena como lugar de encuentro. Abre la Sonata para viola y piano nº2 de Johannes Brahms, una de las últimas partituras del compositor, que tiene ese tono otoñal de madurez íntima y reflexiva de sus obras de postrimerías. Le sigue el juvenil Trío en si bemol mayor D 471 de Franz Schubert, escrito a los diecinueve años y testimonio temprano de su genio para el diálogo camerístico. La velada culmina con el Cuarteto con piano en sol menor KV 478 de Wolfgang Amadeus Mozart, primera obra importante para esta formación en el repertorio camerístico internacional, que el genio salzburgués resolvió con una escritura concertante para el piano admirablemente integrada en las refinadas texturas del trío de cuerdas.
CONCIERTO DE CLAUSURA
LUNES, 2 DE FEBRERO DE 2026 – 18 h.
Catedral de Santa María de Plasencia (Cáceres)
LUNES, 2 DE FEBRERO DE 2026, 18 h
Catedral de Santa María
Plasencia (Cáceres)
Miriam Hontana
VIOLÍN
Daniel Oyarzabal
ÓRGANO
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Preludio en sol mayor, BWV 568
Antonio Vivaldi (1685-1750)
Concierto en re menor, BWV 596
Arreglo para órgano de J. S. Bach del Concierto para dos violines en re menor, RV 522 (de L’Estro Armonico)
Johann Sebastian Bach
Sonata para violín y continuo en mi menor, BWV 1023
Antonio Vivaldi
Sonata para violín y continuo en re menor, RV 12
Johann Sebastian Bach
Fuga en sol menor para violín y continuo, BWV 1026
Antonio Vivaldi
Concierto n° 4 en fa menor, op. 8, RV 297 “El Invierno” (de Las Cuatro Estaciones)
Johann Sebastian Bach
In dir ist Freude, BWV 615, BWV 731
Ciaccona para violín solo de la Partita n° 2 en re menor, BWV 1004
El Festival se despide este año en lunes visitando por primera vez la Catedral de Plasencia. La joven violinista Miriam Hontana se reúne con el experimentado Daniel Oyarzabal para un programa con música de dos de los grandes de la primera mitad del siglo XVIII, Bach y Vivaldi. Obras de cámara y piezas solísticas se alternan con transcripciones y conciertos que muestran la fecunda relación entre ambos compositores. De Vivaldi se escuchan sonatas y el célebre Invierno de Las Cuatro Estaciones, mientras que de Bach figuran páginas de gran fuerza expresiva, desde la Sonata BWV 1023 hasta la monumental Ciaccona de la Partita para violín solo nº2. El órgano de la Catedral ofrece además un marco sonoro privilegiado para las intervenciones solistas de Oyarzabal, cerrando el Festival con un homenaje a la tradición barroca en dos de sus voces más universales.
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En colaboración con el Cabildo de la Catedral de Plasencia
Biografía de los artistas
La principal pasión de Benjamin Alard siempre ha sido la música de J. S. Bach, y fue precisamente por su interpretación de este gran compositor que obtuvo el primer premio en el Concurso Internacional de Clavicémbalo de Brujas en 2004.
Desde muy joven comenzó sus estudios musicales en su ciudad natal, Dieppe (Francia). Pronto se sintió atraído por el órgano y continuó su formación en el Conservatorio de Ruan, donde estudió con Louis Thiry y François Ménissier.
Su primer contacto con el clavicémbalo fue gracias a Élisabeth Joyé, con quien estudió en París antes de ingresar, en 2003, en la Schola Cantorum de Basilea, donde trabajó con Jörg-Andreas Bötticher, Jean-Claude Zehnder y Andrea Marcon.
Desde 2005 es organista titular del órgano Bernard Aubertin de la iglesia Saint-Louis-en-l’Île en París, donde cada temporada ofrece conciertos dedicados a la música de Bach.
Actualmente, Alard reparte su tiempo entre recitales y música de cámara tanto en el clavicémbalo como en el órgano. Interpreta con frecuencia repertorio para dos clavicémbalos junto a Élisabeth Joyé, en dúo con el violinista François Fernandez, en trío o con el flautista Emmanuel Pahud. Es invitado regularmente a actuar como solista en Europa, Japón y Norteamérica.
Ha grabado para el sello Hortus y para Alpha, con interpretaciones de obras de Bach como las Sonatas en trío o el Clavier Übung I y II. Sus grabaciones han recibido elogios unánimes de la crítica y numerosos premios.
Actualmente se dedica a la grabación integral de las obras para clavicémbalo y órgano solo de Johann Sebastian Bach** para el sello harmonia mundi, de la que ya se han publicado once volúmenes de los diecisiete previstos. El volumen 3, À la française, obtuvo el prestigioso Premio de la Crítica Discográfica Alemana, y el volumen 6, dedicado al Clavecín bien temperado I, recibió el *Diapason d’or” y el reconocimiento de Gramophone como Grabación del mes.
En octubre de 2022 harmonia mundi publicó un estuche dedicado al Orgelbüchlein de Bach, grabado junto al Ensemble vocal Bergamasque y la Maîtrise de Notre-Dame de París. El volumen 9, Köthen, los años felices, salió en mayo de 2024, y poco antes, en el invierno del mismo año, Alard participó en una grabación de Manuel de Falla interpretando el Concierto para clavicémbalo y cinco instrumentos y El retablo de Maese Pedro con la Mahler Chamber Orchestra dirigida por Pablo Heras-Casado.
El volumen 11 de la colección estará dedicado a las Seis Partitas, el Concierto Italiano y la Obertura al estilo francés BWV 831.
Benjamin Alard actúa regularmente en los principales escenarios del mundo, desde París hasta Tokio, pasando por Boston, Madrid, Barcelona, Alemania, Suiza y Bélgica.
Nacida en Mérida (Badajoz), ha estudiado canto con Mariana You Chi y con Alfredo Kraus, entre otros.
Se ha presentado en salas como Philharmonie de Berlín, Konzerthaus de Viena, Concertgebouw de Amsterdam, Théâtre des Champs Élysées de París, Teatro Real de Madrid, Palais des Beaux
Arts de Bruselas, Auditorio Nacional de Madrid, Gasteig de Munich, Santa Cecilia de Roma, Vredenburg de Utrecht, Teatro del Liceo de Barcelona, Palau de la Música Catalana de Barcelona, L’Auditori de Barcelona, Maestranza de Sevilla, Teatro de la Zarzuela de Madrid, Kursaal de San Sebastián, Euskalduna de Bilbao, Auditorio
de Galicia, etc.
Ha cantado con directores como Mariss Jansons, Iván Fischer, Frühbeck de Burgos, Giovanni Antonini, Diego Fasolis, Andrea Marcon, Fabio Biondi, Frans Brüggen, Ton Koopman, Enrico Onofri, Frans Brüggen, Juanjo Mena, Jesús López Cobos, Aldo Ceccato, etc.
Ha actuado con orquestas y grupos como Royal Concertgebouw Orchestra, BBC Philharmonic Orchestra, Munich Philharmonic Orchestra, Netherlands Radio Chamber Philharmonic, Orquesta de la Radio Húngara, Il Giardino Armonico, Venice Baroque Orchester, Orchestra of the 18th century, Les Talens Lyriques, I Barocchisti, La Cetra, L’Orfeo Barockorchester, “Al Ayre Español”, Helsinki Baroque Orchestra, y prácticamente la totalidad de orquestas sinfónicas españolas.
Ha grabado para los sellos Harmonia Mundi, Chandos, Naxos, y Challenge, entre otros
Nace en Madrid, España, donde estudia con Gerardo Arriaga y Jesús Sánchez. Seguidamente se traslada a Basilea, Suiza para estudiar con el maestro Hopkinson Smith. Posteriormente ingresa en la Eastman School of Music en Rochester, Nueva York donde obtiene un Master y un Doctorado en interpretación de instrumentos antiguos de cuerda pulsada con el maestro Paul O’Dette.
Manuel colabora con grupos como Gabrieli Consort & Players, Monteverdi Choir, English Baroque Soloist, Florilegium, La Nuova Musica, Galan, The Kings Singers, Charivari Agreable y Al Ayre
español, La Compañía de Teatro Clásico de España, Nereydas, Vespres d’Arnadi, Delitiae Musicae, Impetus, La Dispersione, la Orquesta Barroca de Sevilla y La Orquesta Barroca de Salamanca, Musica Alchemica, Ludovice Ensemble, Accademia del Piacere, La Madrileña
y Harmonia del Parnás lo que le lleva a tocar por toda Europa, Norteamérica y Australia.
Ha tocado para algunos de los más prestigiosos directores y solistas como Paul McCresh, John Elliot Gardiner, Paul O’Dette, Laurence Cummings, Benjamin Bayl, Eduardo López Banzo, Carlos Mena, María Espada, Emanuela Galli, Vivica Genaux, Romina Basso, Anna Bonitatibus, Emanuel Cencic entre otros.
Minguillón tiene más de una decena de grabaciones discográficas, para algunos sellos como Brilliant Classics, Signum Records, Enchiriadis, grabando con grupos como The King Singers, Delitiae Musicae, Charivari Agreable, Nereydas, Delia Agúndez, La Dispersione, New College Osford Choir, MUSIca ALcheMIca, Ludovice Ensemble entre otros.
En la actualidad vive y trabaja en Madrid donde es profesor de guitarra e Instrumentos de Cuerda Pulsada Renacentistas y Barrocos en Mingui Estudio y es director artístico de Collegium Musicum Madrid y Baroque Opera Studio www.baroqueoperastudio.com
Lituus Quartet nace con la idea de dar a conocer estos maravillosos instrumentos de viento metal y difundir la mas variada gama de repertorio que comprende desde música de la Edad Media hasta el siglo XX .
Dada su fuerza y poder, los instrumentos de viento metal fueron utilizados en la Edad Media y posteriormente en época romana en ceremonias, con la finalidad de anunciar y exaltar la llegada de la realeza. El género más destacable fueron las fanfarrias y piezas musicales distintivas con un sonido enérgico, potente y heróico Lituus Quartet está integrado por profesores de conservatorio especialistas en distintos instrumentos de viento metal , desarrollando un importante trabajo de investigación sobre la sonoridad en fanfarrias y piezas solemnes de la antigüedad.
El conjunto, con 10 años de trayectoria está formado por trompetas, trompas y trombones . La calidad de sus miembros y la riqueza sonora de sus instrumentos hacen de él un conjunto homogéneo de gran calidad.
José Ángel Sánchez Fernández ( Trombón )
José Manuel García Sampedro ( Trompeta )
Miguel Ángel Pulido Bermejo ( Trompa )
Javier Bardón Cancho ( Trombón )
Pianista de temperamento ardiente y virtuosismo, Yulianna Avdeeva es la ganadora del Primer Premio del Concurso Internacional de Piano Chopin de 2010, que la lanzó a la fama internacional por «liderar constantemente el campo, en términos de pura pasión y musicalidad, por no hablar de seguridad técnica», en interpretaciones «llenas de profundidad y color» (The Telegraph). En 2022, el Pittsburgh Post-Gazette elogió a Avdeeva como una «potencia unipersonal de talla épica».
Tras su debut en el Carnegie Hall a principios de 2023, con las entradas agotadas, Avdeeva regresó a este teatro en octubre de 2024 con un programa de Chopin y Liszt, incluida la famosa Sonata para piano en si menor de este último. También interpretó ese programa en escenarios de España, Alemania, Francia, Austria, Italia y Seattle. En Boston interpretó Liszt y la sonata Hammerklavier de Beethoven; en el Festival Lanaudiere interpretó los 24 Preludios y Fugas, Op. 87 de Shostakovich y, en el Festival de Música de Cámara de Rockport, Shostakovich y Chopin.
A partir de la primavera de 2025, en conmemoración del 50 aniversario de la muerte de Dmitri Shostakovich, Avdeeva interpretará los 24 Preludios y Fugas, Op. 87, del compositor en la Gewandhaus de Leipzig, como parte de un festival Shostakovich con la Orquesta de la Gewandhaus en colaboración con la Orquesta Sinfónica de Boston. También interpretará el ciclo en la Sala Pierre Boulez de Berlín, en el Palau de la Música de Barcelona y Madrid, en Ostrava (República Checa) y en Seon (Suiza).
Entre las obras de música de cámara más destacadas de la temporada 2024-25 de Avdeeva figuran el Quinteto de Alfred Schnittke, con miembros de la Orquesta Filarmónica de Viena, en el Festival de Salzburgo; el Concierto para piano y cuerdas y el Concierto Grosso n.o 6 de Schnittke, con Gidon Kremer y la Kremerata Baltica; y una gira en trío con Julia Fischer y Daniel Müller-Schott en el Festival de Música de Rheingau, Kissinger Sommer y el Wigmore Hall de Londres.
Entre las obras orquestales más recientes y próximas de Avdeeva figuran el Concierto para piano n.o 1 de Chopin, el Concierto para piano n.o 4 de Beethoven con la Sinfónica del Pacífico; la Rapsodia sobre un tema de Paganini de Rachmaninoff con la Orquesta de Florida, y con la Orquesta NHK de Tokio; La edad de la ansiedad de Bernstein con la Orquesta de la Radio Italiana RAI, y con la Orquesta de Minnesota, el Concierto para piano n.o 2 de Chopin con la Orquesta Sinfónica de Barcelona; y el Concierto para piano en la menor de Grieg con la Orquesta Sinfónica de Galicia.
Como artista discográfica, Avdeeva publicó en 2023 el álbum Resilience, con música de Szpilman, Weinberg, Shostakovich y Prokofiev, compositores que perduraron en épocas de gran inestabilidad política. El último álbum de Avdeeva, Voyage, con las últimas obras de Chopin, salió a la venta en septiembre de 2024; le seguirá una grabación de la Op. 87 de Shostakovich en la primavera de 2025 (los tres en Pentatone). Sus grabaciones de los conciertos de Chopin con la Orquesta del Siglo XVIII y Frans Brüggen (2013), sus tres álbumes en solitario con obras de Bach, Mozart, Schubert, Chopin, Liszt y Prokofiev (2014, 2016, 2017), y su colaboración con Gidon Kremer en la música de cámara de Weinberg (2017 y 2019), constituyen un formidable registro de su arte, rematado por
una grabación en solitario de Deutsche Grammophon (2019) como parte de una colección hito dedicada a los Medallistas de Oro del Concurso Chopin.
#YuliannasMusicalDialogues es una atractiva iniciativa en línea que ofrece un espacio abierto a sus seguidores y a los aficionados al piano. A través de publicaciones informales periódicas en las redes sociales, abre un diálogo en línea sobre la vida y obra de un compositor seleccionado, prestando especial atención a los detalles de piezas notables y deconstruyendo el arte de la interpretación.
Mario Brunello es uno de los artistas más polifacéticos y solicitados de su generación. Solista, músico de cámara, director de orquesta y pionero del violonchelo piccolo, fue el primer europeo en ganar el Concurso Chaikovski en 1986. Brunello es un violonchelista de un talento extraordinario que combina la interpretación de un repertorio muy amplio que abarca desde la música antigua hasta la contemporánea.
Su estilo interpretativo, auténtico y apasionado, le ha permitido colaborar con algunos de los directores más renombrados de nuestra época, como Antonio Pappano, Myung-Whun Chung, Yuri Temirkanov, Zubin Mehta, Ton Koopman, Manfred Honeck, Riccardo Muti, Daniele Gatti, Seiji Ozawa, Riccardo Chailly y Claudio Abbado.
Mario Brunello ha colaborado con muchas de las principales orquestas del mundo, entre ellas la London Symphony, la London Philharmonic, la Liverpool Philharmonic, la Philadelphia Orchestra, la San Francisco Symphony, la NHK Symphony de Tokio, la Accademia di Santa Cecilia, la Orchestre Philharmonique de Radio France, la Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo, la Filarmonica della Scala, la Munich Philharmonic y la Venice Baroque Orchestra, por mencionar solo algunas.
La actividad concertística de Mario Brunello es muy intensa tanto en Italia como en el extranjero. Entre sus compromisos más recientes se incluyen conciertos en el Wigmore Hall de Londres, el Festival de Gstaad, la Fundação Gulbenkian de Lisboa, el Festival Bachcelona de Barcelona, el Concertgebouw de Ámsterdam, el Kioi Hall de Tokio, el Muziekgebouw de Eindhoven, la Berliner Philharmonie, el Vredenburg de Utrecht, el Istanbul Sanat Concert Hall, la Salle de musique de La Chaux-de-Fonds, la Sala Verdi de Milán, el Auditorio Lingotto de Turín y el Parco della Musica de Roma.
Manuel Blanco, nacido en 1985 en Daimiel (Ciudad Real), comenzó sus estudios de trompeta con Martín Baeza Rubio y José María Ortí Soriano. También ha recibido asesoramiento musical del concertista internacional Reinhold Friedrich. Estos tres maestros han sido muy influyentes en el desarrollo de su carrera artística.
Su gran logro internacional llegó tras ganar el 1er premio en el prestigioso ARD Music Competition de Munich 2011, obteniendo la calificación más alta de la historia de la competición. Este galardón solo había sido concedido a otros dos trompetistas en las 62 ediciones anteriores (siendo Maurice André el primero en conseguirlo en 1963).
Desde el año 2006 es trompeta principal de la Orquesta Nacional de España.
Como concertista, ha tocado con reconocidas agrupaciones, como la Orquesta de la Radio de Baviera, Orquesta de la Radio de Múnich, Orquesta de Cámara de Múnich, Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, Orquesta de la Radio Checa, Borusan Istanbul Philharmonic Orchestra, Lithuanian State Symphony Orchestra, Nürnberg Symphoniker, Budapest Chamber Orchestra, Jeju Philharmonic Orchestra (Corea), Philharmonisches Orchester Würzburg, Capella Symphonic Orchestra (San Petersburgo), Orquesta Sinfónica de Minería (Ciudad de México), Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de Navarra, Orquesta Sinfónica de RTVE, Orquesta Sinfónica de Bilbao y Orquesta Municipal de Valencia, entre otras.
Ha trabajado como trompeta solista en orquestas entre las que se incluyen la Chicago Symphony Orchestra, Philadelphia Orchestra, Concertgebouw de Ámsterdam, Gewandhaus de Leipzig, Filarmónica de Radio France, Gustav Mahler Jugend Orchester, European Youth Orchestra, Berlin Staatsoper, Orchestra Teatro alla Scala Milán y Orquesta Santa Cecilia de Roma, junto a directores de la talla de Claudio Abbado, Mariss Jansons, Riccardo Muti, Rafael Frühbeck de Burgos, Lorin Maazel, Christoph Eschenbach, Zubin Mehta, Daniel Barenboim, Yuri Temirkanov, Semyon Bychkov, Riccardo Chailly, Gustavo Dudamel, Andris Nelsons, Josep Pons, Paul Goodwin, Emilia Hoving, Alondra de la Parra, Jessica Cottis, Pablo Heras-Casado y George Pehlivanian.
En el año 2017 salió al mercado su primer CD, Fearless, grabado para DECCA, en el que aparece acompañado por la Orquesta Nacional de España, bajo la batuta de Josep Pons. Este trabajo discográfico es una demostración del amplio repertorio al que puede hacer frente Blanco, con obras desde Haydn hasta Zimmermann.
En el año 2018 recibe el nombramiento de Hijo Predilecto de Castilla-La Mancha por su gran talento y virtuosismo musical y en 2019 la Medalla de Honor Ciudad de Daimiel como reconocimiento a su brillante trayectoria.
En 2019 recibió el primer premio especial en la Manhattan International Music Competition, lo que lo llevó a actuar en el Carnegie Hall de Nueva York.
Es profesor de la cátedra de trompeta en la Escuela Superior de Música Reina Sofía, en el Conservatorio Superior del Liceu de Barcelona y en la Escuela Superior Musical Arts, además de ser profesor invitado de la GMJO.
Organista de la Catedral de Valencia y catedrático de clavecín del Conservatorio Superior de Música de Castellón, Pablo Márquez Caraballo cursa los estudios de órgano, clavecín y composición en los conservatorios de Valencia, Toulouse, Ámsterdam y la Haya, con los profesores M. Bouvard, J. W. Jansen, P. van Dijk, F. Bonizzoni, P. Ayrton y T. Koopman. Durante estos años es premiado con las becas del Instituto Valenciano de la Música y con la Huygens Scholarship Programme del Ministerio de Educación Holandés.
Ha sido premiado en varios concursos de órgano y composición, entre los que cabe destacar el Concurso Internacional de Órgano “Buxtehude”, celebrado en Lübeck (Alemania). Asimismo, ha ofrecido numerosos conciertos de órgano, clave y como continuista en Europa y Japón, teniendo la oportunidad de participar en los festivales más importantes y de tocar en numerosos instrumentos históricos. Ha actuado como solista con la Orquesta de Valencia en varias ocasiones, interpretando el Concierto para órgano, timbales y orquesta de cuerdas del compositor francés F. Poulenc (Y. Traub) y la 3ª Sinfonía con órgano de C. Saint-Saëns (A. Liebreich).
En 2012 forma el dúo “Concertante a quattro” con su mujer, la organista japonesa Atsuko Takano, con quien ha realizado varias giras por Europa, Latinoamérica y Japón, interpretando sus propias transcripciones del repertorio orquestal. En 2018 funda el Cabanilles Consort, grupo especializado en la música española y europea de los siglos XVII y XVIII.
En septiembre de 2017 consiguió el grado de doctor en historia por la Universitat de València con la defensa de su tesis doctoral “Historia de los órganos de la catedral de Valencia durante los siglos XVI-XXI. Historia y evolución”, con la calificación de sobresaliente “cum laude”. Ha participado como docente y ponente en academias internacionales de órgano y en la Cornell University de New York, EE. UU. Su principal campo de investigación es la figura y obra para tecla de Joan Cabanilles, así como todos aquellos aspectos relacionados con su interpretación.
En la actualidad, Márquez combina su labor como docente con una intensa carrera como concertista e investigador y experto en diferentes restauraciones de órganos históricos.
Jorge Pardo inició sus estudios musicales a los 14 años en el Real Conservatorio de Madrid. Desde sus comienzos mostró interés por el jazz, actuando con grupos universitarios y colaborando pronto con músicos como Tete Montoliu, Lou Bennett, Pedro Iturralde o Slide Hampton. Junto a Pedro Ruy Blas fundó el grupo **Dolores**, referencia en la música española de los setenta.
Su carrera dio un giro decisivo al incorporarse al mundo del flamenco de la mano de **Diego Carrasco** y, sobre todo, **Paco de Lucía**, con quien realizó giras internacionales y grabaciones emblemáticas. En los años ochenta grabó sus primeros discos —*Jorge Pardo* (1982), *El canto de los guerreros* (1984) y *A mi aire* (1987)— y participó en festivales internacionales como Montreux y proyectos de fusión como **Jazzpaña**, junto a figuras como Michael Brecker o Al Di Meola.
Durante los noventa consolidó su estilo personal con álbumes como *Las cigarras son quizá sordas* o *Mira*, y formó el trío **Benavent–Di Geraldo–Pardo**, referencia del flamenco-jazz. También colaboró con artistas como **Chano Domínguez**, **Ketama** o **La Barbería del Sur**.
En los 2000 fundó el trío **D’3**, participó en la gira internacional de **Chick Corea** y lanzó *Vientos Flamencos*, obra pionera por su difusión digital. En 2012 publicó *Huellas*, un doble álbum con 18 composiciones propias, que le valió el **Premio al Mejor Músico de Jazz Europeo** otorgado por la Academia Francesa de Jazz en 2013.
En años recientes ha seguido experimentando con la fusión de estilos en proyectos como *Historias de Radha y Krishna* (2014), *Metaflamenco. Djinn* (2016) y *Trance Sketches* (2022), donde mezcla flamenco, jazz y electrónica, consolidándose como uno de los artistas más innovadores y universales de la música española.
La carrera internacional de Javier Perianes le ha llevado a actuar en las salas de conciertos más prestigiosas del mundo y con las principales orquestas, colaborando con directores como Daniel Barenboim, Charles Dutoit, Zubin Mehta, Gustavo Dudamel, Klaus Mäkelä, Gianandrea Noseda, Gustavo Gimeno, Santtu-Matias Rouvali, Simone Young y Vladimir Jurowski.
En la temporada 2025/26 compartirá escenario con orquestas de renombre, como las sinfónicas de San Francisco, San Diego, Dallas y Baltimore, Bamberger Symphoniker, Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo, Orquestra Sinfónica de Castilla y León, el Teatro Real y la Orchestre Philharmonique de Monte Carlo, así como las orquestas sinfónicas de Sídney y Tasmania. Perianes regresará a la Orquestra de la Comunitat Valenciana para dirigir e interpretar los cinco conciertos de Beethoven, y concluirá el ciclo de conciertos de Beethoven en formato de director-intérprete con la Orquesta Sinfónica de Galicia.
Perianes actúa frecuentemente en recital por todo el mundo, esta temporada estará en Heidelberger Frühling, Gulbenkian, Ostrava, Barcelona, Alicante, Scherzo Madrid, Bozar, Lieja, Künzelsau y la Ópera de Sídney. También participa en prestigiosos festivales como los BBC Proms, el Festival de Lucerna, el Festival Argerich, Salzburgo Whitsun, La Roque d’Anthéron, Grafenegg, Primavera de Praga, Ravello, Stresa, San Sebastián, Santander, Granada, Vail, Blossom, Ravinia y el Festival de Música de Canarias. Gran entusiasta de la música de cámara, colabora regularmente con la violista Tabea Zimmermann. El dúo realizará una gira por Alemania y Norteamérica, incluyendo presentaciones en Carnegie Hall, Montreal Salle Bourgie, Princeton, Club Musical de Quebec y Library of Congress.
A lo largo de su carrera destacan actuaciones junto a la Wiener Philharmoniker, Leipzig Gewandhausorchester, las sinfónicas de Chicago, Boston, San Francisco, Washington, NHK Tokio, Yomiuri Nippon y la Nacional de Dinamarca, así como las Filarmónicas de Oslo, Londres, Nueva York, Los Ángeles y la Checa, Orchestre de Paris, Cleveland Orchestra, Orchestre Symphonique de Montréal y Philharmonia Orchestra, las orquestas de la radio de Suecia y Noruega, la Mahler Chamber Orchestra y la Budapest Festival Orchestra.
Perianes graba exclusivamente para harmonia mundi, y sus lanzamientos más recientes incluyen una selección de Sonatas de Scarlatti, Goyescas de Granados y las Sonatas n.o 2 y n.o 3 de Chopin, intercaladas con las tres Mazurkas del Op. 63. En 2025, Euroarts publicó un documental grabado con Perianes en los Reales Alcázares de Sevilla, que muestra la relación especial entre Scarlatti y Albéniz, vinculada a la ciudad.
Perianes es Premio Nacional de Música 2012 y fue nombrado Artista del Año 2019 de los International Classical Music Awards (ICMA).
«El León de Oro» (LDO), nacido en Luanco, Asturias, es mucho más que una agrupación vocal; es un emblema de excelencia coral que ha conquistado tanto al público como a la crítica especializada a lo largo de su trayectoria. Lo que comenzó en esta pequeña villa costera como un grupo de amigos unidos por su amor al canto ha evolucionado hasta convertirse en un referente internacional, avalado por numerosos premios, invitaciones a festivales de prestigio y la devoción de quienes disfrutan de su arte.
La versatilidad es uno de los rasgos que mejor define a esta formación. Con una plantilla flexible que se adapta a las exigencias de cada obra, LDO ofrece interpretaciones que abarcan desde los grandes nombres del Renacimiento y el Barroco hasta las composiciones más audaces del repertorio contemporáneo. Esta capacidad de abordar un repertorio tan diverso, siempre con una calidad interpretativa sobresaliente, les ha permitido consolidarse como uno de los principales coros españoles.
Uno de los aspectos que hace único a LDO es su temporada propia, donde presenta programas a cappella cuidadosamente diseñados. A ello se suma su constante colaboración con importantes orquestas sinfónicas españolas, como la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, Oviedo Filarmonía, la Orquesta Sinfónica de Castilla y León y la Bilbao Orkestra Sinfonikoa. Su proyección internacional también se refleja en las alianzas con prestigiosas agrupaciones europeas especializadas en música antigua, entre ellas Le Concert des Nations, la Orchestra of the Eighteenth Century y la Mozarteumorchester Salzburg.
El León de Oro ha sido invitado a los principales festivales de música antigua en España, desde los de Logroño, Aranjuez, Sevilla, Úbeda y Baeza, hasta la Quincena Musical Donostiarra, el Festival Internacional de Arte Sacro de Madrid o la Semana de Música Religiosa de Cuenca. Recientemente ha cantado también en el Palau de la Música Catalana en Barcelona. Su alcance internacional queda patente en actuaciones memorables como las realizadas bajo la batuta de Jordi Savall en la Philharmonie de París, La Saline Royale y el Festival Berlioz.
La agrupación también atesora un palmarés extraordinario. Entre sus logros destacan el primer premio en la London International a Cappella Choir Competition (2014), el Gran Premio Nacional de Canto Coral (2003 y 2006) y otros galardones obtenidos en prestigiosas competiciones como Arezzo, Flandes, Tolosa, Varna y Tours. Más recientemente, en 2020, fue reconocido en los Circuitos FestClásica, y en 2021 recibió el premio Amuravela de Oro.
En el ámbito discográfico, LDO ha consolidado su prestigio gracias a una trilogía de grabaciones lanzadas por Hyperion Records: Amarae Morti (2019), Guerrero: Magnificat, Lamentations & Canciones (2021) y George de la Hèle: Missa Praeter rerum seriem(2024). Este último álbum, que explora el repertorio de la Capilla Flamenca de Felipe II, ha sido galardonado como Disco del Mes por la revista Scherzo. Todas estas producciones, dirigidas por el afamado maestro británico Peter Phillips, director honorífico de LDO desde 2017, han sido aclamadas por la crítica y han alcanzado una destacada repercusión internacional.
La faceta educativa de LDO es igualmente notable. Desde 2017 organiza masterclasses de dirección coral que han atraído a maestros y alumnos de todo el mundo. Estas iniciativas se suman a su labor con la Escuela Coral, reafirmando su compromiso con el desarrollo y la difusión del canto coral.
El León de Oro es posible gracias al apoyo de su mecenas principal, el grupo SATEC y su socio protector, la empresa Excade, así como al respaldo de instituciones como el INAEM y el Principado de Asturias. Desde su origen en Luanco, esta agrupación asturiana sigue brillando como uno de los máximos exponentes de la música coral, llevando su arte a nuevos horizontes y emocionando a quienes tienen el privilegio de escucharlos.
Desde su fundación en 1984 por el benedictino don Laurentino Sáenz de Buruaga (+2018) Schola Antiqua se dedica al estudio, investigación e interpretación de la música antigua y en especial del canto gregoriano.
Todos sus componentes se formaron como niños de coro en la Escolanía de la Abadía de Sta. Cruz del Valle de los Caídos centrando su repertorio en la monodia litúrgica occidental así como la polifonía del Ars Antiqua y Ars Nova y en las interpretaciones alternatim con órgano (Montserrat Torrent, Roberto Fresco, Andrés Cea, Óscar Candendo, Javier Artigas, José Luis González Uriol, Raúl del Toro, Bruno Forst, Jan Willem Jansen, Lucie Žáková…) y con conjuntos vocales e instrumentales (La Colombina, Ensemble Plus Ultra, His Majesty’s Sagbutts and Cornetts, La Grande Chapelle, Ensemble Baroque de Limoges, La Capilla Real de Madrid, Ministriles de Marsias, The English Voices, La Venexiana, Alia Musica, Orquesta Barroca de Venecia, The Tallis Scholars, Ensemble Organum, Tenebrae, Artefactum, La Madrileña, Coro Victoria, Capella Prolationum & La Danserye…).
Ha actuado en numerosos festivales en Europa, USA, Centroamérica, Próximo Oriente y Japón. Su discografía incluye registros dedicados al canto mozárabe, al canto gregoriano y reconstrucciones históricas de polifonía de los ss. XV-XIX con las agrupaciones antes mencionadas. En 2012 realizó una serie de grabaciones en cámara anecoica dentro de un programa de arqueología acústica en colaboración con el CSIC y el Departamento de Ingeniería Acústica del Institute of Technical Acoustics de la Universidad de Aquisgrán para reconstruir señales musicales en entorno anecoico para recrear de manera virtual el sonido del Antiguo Rito Hispánico.
Ha estrenado la obra Apocalipsis del compositor Jesús Torres, y junto al Ensemble Organum el Libro de Leonor de José María Sánchez Verdú, y junto al Ensemble Opus21musikplus la obra Paharión de Konstantia Gourzi. Ha participado en el estreno de Cuaderno Persa de Santiago Lanchares junto al grupo Artefactum. Ha participado en el Festival de Música Sacra de Bogotá y un ciclo de conciertos en la Capilla Palatina de Aquisgrán. En 2018 junto a La Madrileña y al Coro Victoria participó en la grabación del Requiem de José de Nebra y en 2019 junto a La Grande Chapelle ha grabado una versión completa del Officium Defunctorum de Tomás Luis de Victoria. Con motivo del 4º centenario de la muerte del compositor Sebastián de Vivanco (†1622) ha grabado una selección de su obra junto al Ensemble Plus Ultra y La Danserye. Schola Antiqua no olvida la participación en las celebraciones litúrgicas como genuino contexto de la monodia tanto gregoriana como hispánica. (www.scholaantiqua.com)
Neopercusión es un grupo español de percusión fundado en 1994 por Juanjo Guillem. Desde su creación, el grupo ha jugado un papel crucial en la difusión y promoción de la música contemporánea, convirtiéndose en un referente en el ámbito de la percusión en España y más allá.
La historia de Neopercusión puede escribirse a través de la influencia de diversas músicas, pues a lo largo de los años han impulsado diferentes proyectos que abarcan géneros como el jazz, el hip hop y el rap; el freejazz, la improvisación libre, la música étnica y folklórica, la música antigua, etc. Estas y otras influencias como son el rock, el heavy metal, el noise, el pop, R&B, funk, etc., se pueden rastrear en el programa presentado por la agrupación y que tiene la intención de atraer a público no habitual en los conciertos de «música clásica» pero que se sienten atraídos por esas otras músicas. Es un programa creado especialmente pensando en los jóvenes.
Neopercusión es un grupo radical militante de la música de vanguardia y creador de innovadores experiencias musicales, sonoras y transmediales, en las que integra de manera regular recursos como las nuevas tecnologías, el vídeo, nuevos formatos escénicos y una gran variedad de géneros. Neopercusión colabora de manera habitual con algunos de los más importantes solistas y grupos españoles y extranjeros: Cuarteto ArdiI, Markus Stockhausen, Sigma Project, Iñaki Alberdi, Asier Polo, Amores Grup de Percussió, Celia Alcedo etc.
Desde sus inicios Neopercusión mantiene un importante compromiso con la difusión y el estímulo de la música de nuestro tiempo, encargando y estrenando decenas de piezas de algunos de los autores más importantes de la actualidad, así como de jóvenes compositores. Por medio de la colaboración con otros intérpretes, compositores, creadores y artistas de otras disciplinas, el uso de las nuevas tecnologías, la experimentación con nuevos medios sonoros y visuales, así como innovadores formatos escénicos, Neopercusión ha logrado dar forma a propuestas escénicas innovadoras que le han situado a la cabeza de la vanguardia musical española.
Desde el año 2000, Neopercusión organiza sus propios ciclos de conciertos – KONEKT@rte Sonoro, Ritmo Vital, Pléyades- todos ellos bajo el Festival mAdrid aCTUAL. Desde 2007 hasta 2021 ha sido grupo residente del Ayuntamiento de Madrid-Distrito de Chamberí.
Considerado uno de los grandes intérpretes de lied de nuestro tiempo, el barítono austríaco Florian Boesch se ha presentado en las salas de concierto más prestigiosas de Europa y Norteamérica. Ha sido artista en residencia en el Konzerthaus de Viena, el Teatro de la Zarzuela, el Theater an der Wien, la Elbphilharmonie de Hamburgo y el Wigmore Hall de Londres.
Desde su debut en la Ópera de Zúrich, Florian Boesch ha actuado en el Festival de Salzburgo, la Ópera Estatal de Hamburgo, el Teatro Bolshói de Moscú, la Ópera Nacional Neerlandesa, el Teatro Real de Madrid, la Ópera Estatal de Berlín y la Ópera Estatal de Viena, entre otros. Ha cosechado un éxito especial en el Theater an der Wien, recientemente con Las bodas de Fígaro de Mozart, Saúl y Orlando de Händel, y Wozzeck de Berg. Su debut como el Duque Barba Azul en una nueva producción de El castillo de Barba Azul de Béla Bartók, dirigida por Claus Guth en el Festival Tirolés de Erl, obtuvo un notable reconocimiento; un papel que retomará en el Maggio Musicale Fiorentino, en Florencia. En enero de 2026 regresará a la Ópera Nacional Neerlandesa con una nueva producción de Sémele de Händel bajo la dirección de Emmanuelle Haïm.
Sobre el escenario ha actuado con algunas de las orquestas más importantes del mundo, entre ellas la Orquesta Filarmónica de Viena y la Orquesta Filarmónica de Berlín, la Orquesta del Concertgebouw de Ámsterdam y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, bajo la batuta de Ivor Bolton, Teodor Currentzis, Riccardo Chailly, Gustavo Dudamel, Adam Fischer, Iván Fischer, Philippe Herreweghe, Pablo Heras-Casado, Vladimir Jurowski, Mariss Jansons, Sir Roger Norrington, Sir Simon Rattle y Lorenzo Viotti. Entre los hitos de la próxima temporada figuran La creación de Haydn con Adam Fischer en Graz; conciertos con música de Bach y Händel; así como Un réquiem alemán de Brahms con Concentus Musicus bajo Stefan Gottfried en Grafenegg y Viena; la Pasión según san Mateo de Bach en gira con Philippe Herreweghe; La noche de Walpurgis de Mendelssohn con Andrés Orozco-Estrada en España; y Réquiem de guerra de Britten con Mirga Gražinytė-Tyla en París.
Florian Boesch mantuvo una estrecha colaboración con Nikolaus Harnoncourt. Entre sus últimos proyectos conjuntos figuran El Mesías y Saúl de Händel en el Musikverein de Viena, y La reina de las hadas de Purcell en el festival styriarte de 2014. Sus destacadas actuaciones en el Festival de Salzburgo incluyeron La creación y Las estaciones de Haydn.
Sus grabaciones han recibido el reconocimiento internacional y numerosos premios; La bella molinera fue nominada a un Grammy, mientras que su álbum de lieder de Schumann y Mahler, publicado por Linn Records, fue distinguido con el BBC Music Magazine Award.
Florian Boesch recibió sus primeras clases de canto de la Kammersängerin Ruthilde Boesch. Durante sus estudios en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Viena, cursó la asignatura de Lied y Oratorio con el Kammersänger Robert Holl. Desde 2017, Florian Boesch ocupa una cátedra de Lied y Oratorio en esa misma universidad.
Reconocido al más alto nivel internacional como uno de los pianistas acompañantes más destacados del Reino Unido, Malcolm Martineau ha desarrollado una carrera de prestigio mundial, colaborando con algunos de los cantantes más importantes de nuestro tiempo, entre ellos Sir Thomas Allen, Dame Janet Baker, Florian Boesch, Elīna Garanča, Dame Sarah Connolly, Angela Gheorghiu, Susan Graham, Thomas Hampson, Sir Simon Keenlyside, Angelika Kirchschlager, Dame Felicity Lott, Anne Sofie von Otter, Günther Groissböck y Sonya Yoncheva, entre muchos otros.
Ha actuado en los principales escenarios internacionales, entre los que se incluyen Alice Tully Hall, Barbican Centre, Staatsoper de Berlín, Carnegie Hall, Concertgebouw de Ámsterdam, Gran Teatre del Liceu, Teatro Mariinsky, Metropolitan Opera, Ópera de Múnich, Ópera de París y Salle Gaveau, así como en la Royal Opera House, La Scala de Milán, Ópera de Sídney, Teatro Real de Madrid, Mozarteum de Salzburgo, Suntory Hall de Tokio, Konzerthaus y Musikverein de Viena, Walt Disney Hall, Wigmore Hall y la Ópera de Zúrich, entre muchos otros. Además, ha participado en prestigiosos festivales como los de Aix-en-Provence, Viena y Salzburgo, y ha presentado sus propias series de conciertos en el Wigmore Hall y en el Festival de Edimburgo.
Como prolífico artista de grabación, su discografía supera los cien discos, varios de los cuales han recibido importantes galardones. Entre ellos destacan The Vagabond junto a Sir Bryn Terfel (Premio Gramophone), Songs of War con Sir Simon Keenlyside (Premio Grammy y Gramophone), los Lieder de Schumann y Mahler con Florian Boesch (Premio BBC Music Magazine), los Lieder de Mahler con Christiane Karg (Diapason d’Or) y El Nour con Fatma Said (Premio Gramophone).
En 2004, Martineau recibió el doctorado honoris causa por la Royal Scottish Academy of Music and Drama, y en 2009 fue nombrado International Fellow of Accompaniment. En 2011 asumió la dirección artística del Leeds Lieder Festival. Actualmente es profesor de acompañamiento pianístico en la Royal Academy of Music de Londres y Doctor Honoris Causa y International Fellow of Accompaniment en el Royal Conservatoire of Scotland. En reconocimiento a su destacada trayectoria y a su compromiso con la formación de jóvenes cantantes, fue nombrado Oficial de la Orden del Imperio Británico (OBE) en la lista de Honores de Año Nuevo de 2016.
Miriam Hontana se ha consolidado como una de las violinistas más eclécticas y destacadas de su generación. Su trayectoria como solista, concertino, músico de cámara y miembro de diversas orquestas la ha llevado a actuar en prestigiosos festivales y salas de conciertos en países como España, Alemania, Bélgica, Rumanía, Austria, Suiza, Eslovaquia, Hong Kong, Taiwán, República Dominicana, Brasil, Argentina y China. Entre sus escenarios más emblemáticos destacan el Konzerthaus de Berlín, el Palau de la Música de Barcelona, el Auditorio Nacional de Madrid, el Brucknerhaus de Linz y el Konzerthaus de Viena.
Formada en violín y viola con maestros como Sergei Fatkulin, Ana María Valderrama y Luis del Valle, y especializada en violín barroco e interpretación histórica junto a Olivier Fourés y Hiro Kurosaki, Miriam combina una técnica clásica sólida con una profunda sensibilidad hacia el repertorio históricamente informado.
En 2021 fundó OBNI, un ensemble dedicado al gran repertorio barroco para violín. Con OBNI ha participado en festivales de prestigio como el Festival Internacional de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid, el Festival de Música Antigua de Innsbruck y Musika-Música en Bilbao. Su primer álbum, Bach & Vivaldi: Violin Concertos, incluye conciertos para violín de ambos compositores, así como una interpretación de la Ciaccona para violín solo, y ha recibido una excelente acogida tanto del público como de la crítica especializada. “Una abducción altamente recomendable.” —Carlos García Reche, Melómano.
Como solista, Miriam ha llevado a los auditorios piezas clave como Las Cuatro Estaciones o L’estro Armonico de Vivaldi, presentándose en espacios tan reconocidos como el Auditorio Nacional de Madrid, el Palacio Euskalduna de Bilbao, el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas o el Auditorio de Tenerife. Su repertorio también se extiende más allá del barroco, interpretando obras de Mozart, Brahms, Prokófiev, Piazzolla y otros compositores.
Además, colabora habitualmente con algunos de los conjuntos más destacados en música antigua a nivel nacional e internacional, como La Ritirata, Tiento Nuovo, Forma Antiqva, Il Pomo d’Oro, Accademia del Piacere, Ensemble Jupiter, Conductus Ensemble o la Compañía Nacional de Danza.
Con una carrera en constante crecimiento, Miriam Hontana combina versatilidad y sensibilidad artística, consolidándose como una voz decidida y fresca dentro del panorama musical actual.
Daniel Oyarzabal cuenta con una ya larga trayectoria internacional que desde hace años cultiva con una intensa actividad de conciertos en prestigiosos festivales de más de 25 países de Europa, Asia, África y América. Con una versátil perspectiva de la música Daniel Oyarzabal mantiene en la actualidad una actividad profesional totalmente multidisciplinar y que abarca una impresionante gama de intereses artísticos y educativos.
Como solista de clave y de órgano, su instrumento principal, ha actuado en concierto en importantes escenarios como el Teatro Mariinski de San Petersburgo, el teatro de ópera Düsseldorf Opernhaus, el Estonia Concert Hall de Tallin, el Auditorium de Lyon, el Palau de Les Arts Reina Sofía y Palau de la Música de Valencia, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Teatro Real y Auditorio Nacional de Música de Madrid, la Stiftbasilika de St. Florian en Austria y las catedrales de Moscú, Ámsterdam, Rotterdam, Florencia, León y Sevilla, por citar algunas. Graduado Cum Laude en clave y órgano en el Conservatorio de Vitoria-Gasteiz, su ciudad natal, y formado con los mejores maestros europeos en varios postgrados en órgano, clave e instrumentos históricos en los conservatorios superiores de Viena, La Haya y Ámsterdam. Oyarzabal tiene en su poder reconocidos galardones entre los que destacan el Premio Especial de la Prensa en la Muestra Nacional para Jóvenes Intérpretes en Ibiza (1991), Primer Premio en el Concurso Internacional de Música de Roma (1998) y Tercer Premio en el XIX Concurso Internacional de Nijmegen, Holanda (2002). Actualmente es profesor del Grado en Composición de Músicas Contemporáneas de la Escuela Universitaria de Artes y Espectáculos TAI- Universidad Rey Juan Carlos de Madrid y organista principal de la Orquesta Nacional de España.
Comienza sus estudios musicales la Escolanía de Santa Cruz del Valle de los Caídos que luego continuará en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Es colaborador del Répertoire International des Sources Musicales. Ha publicado distintos trabajos en revistas especializadas junto a transcripciones del Códice de Madrid y del Códice de Las Huelgas y una monografía sobre El Canto Gregoriano para Alianza Editorial. Colaborador del Atêlier de Paléographie Musicale de la Abadía de Solesmes, ha sido Profesor de Musicología en el Conservatorio Superior de Música de Salamanca y en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.
En la actualidad es profesor de Musicología en la Escola Superior de Música de Catalunya. Desde 1996 es director de Schola Antiqua, y desde 2001 miembro del Consiglio Direttivo de la Associazione Internazionale Studi di Canto Gregoriano, investigador asociado del CILengua, miembro del grupo de estudio Bibliopegia, editor de la revista Estudios Gregorianos y miembro de número de la Academia “san Dámaso” de Ciencias Eclesiásticas. Desde 2014 es director, guionista y presentador del programa de Radio Clásica de RTVE “Sicut Luna Perfecta” dedicado al canto cristiano litúrgico.
Considerado como uno de los directores más audaces y creativos en la actualidad, Marco Antonio García de Paz (Luanco, Asturias) es director y fundador de «El León de Oro», con el que ha actuado por toda España, Europa, África o Estados Unidos y director titular del Joven Coro de Andalucía desde 2019. Desde 2024 es director de L’Acadèmia Vocal CdM en Valencia. De 2021 a 2024 ha sido también titular del Coro de RTVE, con el que sigue colaborando habitualmente.
Estudió violín y dirección en el Centro Superior de Música del País Vasco ‘Musikene’. Entre sus maestros se encuentran Peter Phillips, Gabriel Baltés, Johan Duijck, Lászlo Heltay o Javier Busto. Cuenta en su haber con más de 60 premios nacionales e internacionales: mejor director en el Concurso Internacional ‘Prof. Georgi Dimitrov’ (Bulgaria) y el ‘Internationale Koorwedstrijd van Vlaanderen’ (Bélgica); ganador en dos ocasiones del ‘Gran Premio Nacional de Canto Coral’.
Marco Antonio es invitado regularmente a dirigir numerosos coros profesionales como el Coro de la Comunidad de Madrid, Coro de Madrigalistas de Bellas Artes de Ciudad de México o el Coro Nacional de España.
Reconocido profesor, ha sido docente de la Milano Choral Academy y del Conservatorio Superior del Principado de Asturias.
Ha actuado en los festivales de Granada, Úbeda y Baeza, Sevilla, Salamanca, León, SMR Cuenca, Música-Musika de Bilbao, Festival de Música Española de Cádiz, Otoño Musical Soriano, Arte Sacro de Madrid, Conciertos del Auditorio de Oviedo, Early Music Morella, ciclos del CNDM, Conciertos de Patrimonio Nacional, Quincena Musical Donostiarra, así como en numerosas salas en el extranjero.
Ha trabajado junto a artistas como Leopold Hager, Jordi Savall, Pablo González, Christoph König, Jaime Martín, Pinchas Steinberg, Carlos Mena, Lucas Macías, Friedrich Haider, Manuel Hernández Silva o Peter Phillips.
Ha dirigido recientemente la Orquesta de Córdoba, Orquesta Filarmónica de Málaga, Orquesta Oviedo Filarmonía, Orquesta Radio Televisión Española o la Joven Orquesta de Andalucía.
Entre sus proyectos inmediatos destacan sus apariciones como director en la Orquesta Oviedo Filarmonía, Palau de la Música de Barcelona, Palacio de Festivales de Cantabria, colaboraciones con Tallis Scholars y Peter Phillips, conciertos en Ciudad de México, Festival de Música y Danza de Granada, Festival de Santander, actividades con la ‘Accademia Corale Italiana’ y un Festival en Hong Kong.
Estrena nuevas obras con regularidad y realiza grabaciones para sellos discográficos como Hyperion, Naxos o RTVE Música.
El barítono suizo Manuel Walser estudió canto con Thomas Quasthoff en la Escuela Superior de Música Hanns Eisler de Berlín, donde se graduó con honores. Recibió el primer premio y el premio del público en el Concurso Internacional «Das Lied» de Berlín en 2013.
Manuel Walser fue miembro permanente del conjunto de la Ópera Estatal de Viena durante cinco temporadas, hasta 2019. En enero de 2018, debutó en la Ópera Estatal Unter den Linden de Berlín como Arlequín en Ariadna auf Naxos de Strauss. En febrero de 2021, debutó con Salomé de Strauss en La Scala de Milán, tras lo cual actuó como Donner en una nueva producción de El oro del Rin de Wagner en el Festival de Erl en el verano de 2021. En el mismo festival, también debutó como Gunther en El ocaso de los dioses de Wagner en agosto de 2023 y regresó para el ciclo completo de El anillo en el verano de 2024. En diciembre de 2022, Manuel Walser actuó como narrador en una nueva producción de La flauta mágica de Mozart en la Ópera Nacional del Rin de Estrasburgo y debutó como Papageno en una función de concierto de la misma ópera bajo la dirección de Martin Wåhlberg en otoño de 2023.
Este barítono ha sido un invitado habitual en los escenarios de conciertos durante mucho tiempo, habiendo trabajado con orquestas de renombre como la Concertgebouw Orkest, la Sinfónica de Viena, la Staatskapelle de Dresde y la Orquesta Filarmónica de Israel. Tonkünstlerorchester Niederösterreich, la Orchestre de la Suisse Romande, la Fundación Bach, Concentus Musicus Wien y el Ensemble Pygmalion bajo la dirección de directores como Anja Bihlmaier, Alfred Eschwé, Stefan Gottfried, Manfred Honeck, Martin Haselböck, Ton Koopman, Jonathan Nott, Raphaël Pichon, Andreas Spering y Jordi Savall.
Manuel Walser se dedica especialmente al repertorio de lied. Los recitales le han llevado a Barcelona, París, el Wigmore Hall de Londres y la Schubertíada Vilabertran en la Pierre Boulez Saal, el Konzerthaus de Berlín y Viena, el Festival de Salzburgo, el Musikverein de Viena, Munich, Zurich, el Teatro de la Zarzuela de Madrid y la Schubertiade Schwarzenberg. Walser interpretó El viaje de invierno de Schubert en la primera edición de Atrium Misicae en 2023.
Walser es un invitado habitual del Wiener Konzerthaus, donde fue destacado como «Gran Talento» en 2019-2020. Recientes compromisos incluyen la Missa Solemnis y la Novena Sinfonía de Beethoven, así como la Pasión según San Juan de Bach y Das Paradies und die Peri de Schumann bajo la dirección de Jordi Savall, cantatas de Bach junto con la Orquesta Barroca de Friburgo dirigida por Kristian Bezuidenhout, Lieder eines fahrenden Gesellen de Mahler con la Residentie Orchestra dirigida por Andrew Grams, Das Paradies und die Peri de Schumann en la Elbphilharmonie de Hamburgo y Elijah de Mendelssohn en Ottobeuren, así como Der Rose Pilgerfahrt de Schumann en el Musikverein de Viena y la Pasión según San Mateo de Bach con la Gewandhausorchester de Leipzig.
Entre sus compromisos más destacados de la temporada 2025-2026 se encuentran obras de Haydn con la Orquesta Barroca Finlandesa, el Oratorio de Navidad de Bach en Oslo y con el Concentus Musicus de Viena y Stefan Gottfried en Viena, la Novena Sinfonía de Beethoven con la Orquesta Sinfónica de Milán y Emmanuel Tjeknavorian, Cristo en el Monte de los Olivos de Beethoven y la Misa en si menor de Bach con la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, entre otros.
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